La musique pop japonaise est souvent appelée J-POP. En fait, le « J » dans J-POP ne fait pas nécessairement référence au Japon en tant que pays, mais à des concepts liés au mode de vie et à la culture japonaise contemporaine. Ce mode de vie (ou ce désir) ne se limite pas aux frontières géographiques du Japon. Le préfixe « J- » illustre la construction d'une nouvelle identité japonaise nationale et transnationale basée sur l'idée d'interaction entre les humains, les hommes et la technologie, les hommes et l'espace. Toru Iwabe a proposé le concept de « culture sans odeur ». Les produits sans « odeur culturelle » n'ont pas une forte connotation du pays d'origine, mais sont « intégrés » aux coutumes locales grâce à la mondialisation. produits, J-POP est l’un des meilleurs. Dans le même temps, à travers l'utilisation du J-POP anglais, les promoteurs de la culture pop japonaise moderne s'appuient sur une certaine conscience de soi qui découle du statut mondial du Japon, établissant le Japon à travers un regard international créé et appliqué au sein du Japon. l'imagination dans l'esprit humain. Cet article tente de revenir sur l’histoire de J-POP, un produit mondial spécial.
4. La musique pop japonaise des années 1970 : nouvelles musiques et idoles sous les nouveaux médias
4.1 La naissance du rock japonais : Happy End et le nouveau mouvement musical
Les groupes qui ont émergé dans les années 1970 sont devenus connus sous le nom de mouvement « new rock ». Si GS représente le « commercialisme », alors les nouveaux rockers recherchent « l'authenticité ». Les chanteurs de nouveau rock sont généralement divisés en deux catégories : ceux qui chantent en anglais et recherchent une totale authenticité culturelle (comme Yuya Uchida) et ceux qui chantent en japonais, qui remontent généralement au grand groupe Happy End. Ils représentent une fusion complexe du rock and roll occidental avec des sensibilités et des symboles culturels japonais. Atsushi Sasaki a remarqué qu'après que Happy End ait chanté de la musique rock en japonais, la relation entre les États-Unis, le Japon et la musique a subi un changement structurel. "Amérique" et "Japon" n'étaient à l'origine que des termes géographiques, sans aucun lien musical entre eux. C'était le modèle d'information spécifique de la musique rock qui déterminait la phase entre les différentes cultures, régions et langues de la terre, et a également changé la relation entre eux. Tout cela a été accepté comme du bon sens dans le passé.
Rino Sashihara (à gauche) et Yuya Uchida (à droite)
Cependant, l'acceptation du rock japonais par le grand public a dû attendre que le « Rock Gossan » représenté par Harada Shinji, Sera Masanori et Char en 1977, et même des groupes comme Nanten Stars, qui ont fait leurs débuts en 1978, soient devenus populaires.
Bien que le groupe Happy End ait été actif pendant une courte période, son membre Haruomi Hosono estime que la dissolution de Happy End marque le début d'une « nouvelle musique », qui n'est pas seulement une question de style, mais aussi de changements dans le processus de production. Après la dissolution de Happy End, les quatre musiciens ont chacun développé leur propre style indépendant, créant ainsi un nouveau genre musical sophistiqué dans les années 1970. Le genre brise la séparation traditionnelle de l'industrie musicale entre les tâches de compositeur, parolier, arrangeur, ingénieur du son et chanteur, car les musiciens peuvent assumer tous ces rôles.
Groupe de fin heureuse
D'après le contenu de Happy End, en tant que génération du Parti communiste, « la position de « résistance » telle que le « mouvement » politique qui était le thème principal des années 1960 a presque complètement disparu dans leurs œuvres musicales. Les paroles écrites par Takashi Matsumoto ne contiennent « aucun sentiment d’appartenance à une communauté ou à une communauté spécifique, aucun sens de la réalité de la vie, ni aucune douleur et désespoir existentiels ou conceptuels. Au lieu de cela, ce sont simplement des « paroles vides et presque sans positif ». ce qui signifie « paysage » ». C’est le signe des temps qui changent et de la disparition de l’idéal de construire ensemble une société meilleure. Les Japonais ont cessé de poursuivre l’utopie.
4.2 Héritage et développement : mouvement musical nouveau et mouvement folklorique
La commercialisation du mouvement populaire dans les années 1970, outre la fin de la saison politique, comprenait également des facteurs externes. Aux États-Unis, à la même période, l'échec du mouvement contre-culturel s'est accompagné d'une déception face à « l'urbanité ». Les chansons folkloriques ont dégénéré de « l'urbanité » en musique de « country découverte », et les « chansons chantées » représentées par James Taylor et Carole King. L’engouement pour « être un être humain » est en hausse. Au Japon, le magazine de mode « an-an » fondé en 1970 a dirigé le « country boom » (カントリーブーム) et le « handicraft boom » (handmade boom), et a été connecté au « Discover ! Japan » de JR (ディスカバ!ジャパン) campagne , un événement visant à attirer les passagers du Shinkansen. Ces tendances nationales et étrangères ont résonné les unes avec les autres, provoquant la mutation de l'étiquette « anti-commercialisme/commercialisme » de la musique folk en l'étiquette « fait main (= ballade)/non fait main (= chanson pop) ». Le label a été créé dans la chanson à succès de Takuro Yoshida en 1972, après quoi les ballades « faites à la main » ont commencé à être vendues « commercialement ». Pour les auditeurs, les chanteurs folk sont devenus des auteurs-compositeurs-interprètes folk « commerciaux », faisant la promotion de leurs sons acoustiques souvent doux auprès d'un public plus large.
Le chanteur folk "Rebel" Yoshida Takuro
Cependant, les ballades commercialisées se sont rapidement solidifiées, avec la prolifération de ballades « auto-écrites et auto-interprétées », telles que les ballades « quatre et demi » (四畳半フォーク, un vocabulaire inventé par Matsutoya Yumi) et « No on souffre de moi". "Je suis plus amer que Blus", "ballade masochiste" est difficile à gagner les faveurs de la classe émergente. En conséquence, une nouvelle musique qui introduisait la distinction entre « une bonne auto-écriture et une auto-interprétation/une mauvaise auto-écriture et une auto-interprétation » est apparue.
Comparée à la « ruralité » et à l'introversion propres aux chansons folkloriques, la nouvelle musique a introduit la mentalité suburbaine des classes moyennes et supérieures, associée à des voix féminines urbaines chantant les louanges de la société de consommation, s'adressant à la classe moyenne provoquée par le développement économique et l’expansion de la conscience de la classe moyenne urbaine, désintégrant complètement la conscience politique des années 1960. Le plus gros problème avec les ballades traditionnelles est que les chansons sont trop conservatrices et que les ballades sont trop déprimantes. Dans les paroles et les mélodies des chanteurs de musique nouvelle, le sentiment japonais de vicissitudes commun dans les chansons folkloriques apparaît rarement, et il est différent du rock et des ballades. . C'est donc sa propre école.
Le mouvement New Music n'avait pas de style musical unique, mais l'accent mis sur la mélodie et les paroles « introspectives » était la clé de son succès. La nouvelle musique, en tant que nouvelle chanson pop japonaise populaire auprès de la jeune génération, accorde plus d'attention à la mélodie et au rythme, plutôt que de mettre l'accent sur le contenu lyrique. En termes de style sonore, la nouvelle musique constitue un processus important permettant à la musique pop japonaise de suivre la musique pop occidentale. Ces œuvres musicales apprennent et absorbent des éléments de la dernière musique populaire d'Europe et des États-Unis, et sont considérées comme une « nouvelle musique » visant à faire écho aux sensibilités des jeunes. Les auditeurs, hommes et femmes, peuvent s'identifier aux nouvelles stars de la musique et apporter leur propre touche au message du chanteur.
Parmi elles, la « déconstruction » de la société japonaise traditionnelle dominée par les hommes est une caractéristique majeure de la nouvelle musique, en particulier des chanteuses de musique nouvelle telles que Yumi Matsutoya, Taeko Ohnuki et Mayumi Gowa, qui sont différentes des chanteuses de ballades du Japon. passé. Les chansons des chanteuses de musique nouvelle prônent un dialogue égalitaire entre hommes et femmes. Par exemple, dans les paroles de Yumi Matsutoya, la femme n'est plus jouée par les hommes, ni ne contribue de manière désintéressée aux hommes, mais a la vision indifférente d'une femme. femme indépendante ; 5. Dans le single « Tobacco No のけむり » sorti par Wa Mayumi, la relation entre les hommes et les femmes est égale et individuelle, ce qui est un monde qui n'a jamais été vu auparavant dans les chansons pop japonaises. Pour toutes les filles, leurs paroles sont l'incarnation de "This is me!", sauvant le "moi" complètement oublié de la ballade stéréotypée à quatre volets et demi. Le chanteur de musique nouvelle a présenté avec succès une forme « d'interpénétration » que « seule cette personne peut (moi) comprendre », et cette « interpénétration » est pleine de compréhension tacite et de proximité. L'image ci-dessous montre les préférences d'écoute des fans de musique nouvelle, pop, ballade, rock et heavy metal interrogés par Shinji Miyadai. On peut voir que la nouvelle musique peut facilement amener les gens à s'immerger et à ressentir la réalité, ce qui constitue également une bonne base pour. eux pour vaincre les ballades.
Une autre caractéristique majeure de la nouvelle musique est que les chansons ont une touche de tristesse ou un sentiment de flottement. Cela amène les compositeurs de musique nouvelle japonaise à utiliser plusieurs types de progressions d'accords, telles que les progressions royales, pour exprimer « la tristesse de la ville ». Par exemple, la chanson « 塀の上で » écrite par Yuki est chantée sur un rythme de valse lente (trois temps). L'humeur triste unique de Suzuki Keiichi, un chanteur né à Haneda, est transmise à travers la mélodie, rendant les gens incapables de s'empêcher de fredonner. La célèbre chanson de Yumi Matsutoya « ひこうき云 » a été composée et chantée au piano pour commémorer un camarade de classe décédé jeune. Cette chanson entière a une touche de tristesse. Cette chanson est souvent considérée comme un symbole important de la nouvelle musique japonaise. Une autre de ses chansons célèbres, "Graduation Photo", est un classique utilisant la méthode royale.
《ひこうき云》
Le nouveau mouvement musical a hérité de la mission du mouvement folk consistant à remodeler les relations de pouvoir dans l’industrie musicale. En 1975, le terme « nouvelle musique » était utilisé pour décrire une variété de chansons, du folk à la pop en passant par le rock ; la seule chose qu'elles avaient en commun était une nouvelle perception de la musique et de l'interaction entre les musiciens. Ils ont écrit leurs propres chansons et présenté la musique d’une manière authentique et accessible. La nouvelle musique, bien que sensible et authentique, reste commerciale.
Depuis l'ère de la nouvelle musique, le talent musical de l'industrie japonaise du disque s'est manifesté par de fortes ventes d'albums par rapport aux singles commerciaux ponctuels. En 1971, l'album « The World of Ice » de Yosui Inoue est devenu le premier album vendu à un million d'exemplaires au Japon. Depuis lors, les ventes d'albums japonais ont progressivement augmenté. En 1992, l'album « TREE » de CHAGE AND ASKA est devenu le premier album à se vendre à plus de 200 exemplaires. L'album de Wan, l'album de 1995 de Dreams Come True "The Swing Star" est devenu le premie...
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